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波普设计对现代设计有什么影响以及其评价．
40年代末到50年代初期，当时流行的主要是功能主义设计，这也就是当时形成的国际主义风格。因为在这一时期，设计包括工业设计所主要满足的是当时人们急需的生活日用品的设计。当时许多国家几乎是在一片废墟上重建自己的家园，因此在建筑上流行的是功能主义风格的现代建筑，包括后来的国际主义风格。由于当时人们急需的是生活用品，因此在日用品的设计上也是一样。从40年代后期到50年代是欧洲经济包括亚洲经济的恢复时期，但是欧洲经济恢复的非常快，另外还包括日本等战败国，随着经济的恢复和发展，到了50年代后期，人们的生活基本安定下来。从50年代后期到60年代初期，战后出生的年青一代成为消费的主体，这些年青人慢慢成为领导消费潮流的人（他们是引导日用品和服装潮流的一批人）。随着欧洲经济的发展，人们的生活水平也在逐步提高，因此对于40年代后期到50年代后期的功能主义设计，人们已经开始不在满足其简单的功能设计。另外，在60年代出现了一系列反正统文化的潮流，尤其是在当时美国出现的摇滚乐，反对越战等，这些都成为了反对主流文化的一些重要事件和现象。反主流文化也影响到了绘画，这就是在美国60年代出现的波普艺术运动。其是伴随着摇滚乐而出现的绘画，也包括雕塑的艺术流派。它主要是把艺术大众化，这种大众化主要是在描绘的方法、内容和题材上将艺术大众化。无论是古典艺术，还是现代艺术，都很难说其是大众艺术，因为古典艺术主要是服务于宫廷的，因此该艺术往往与大众没什么关系。而在现代艺术里，包括立体派、表现主义、印象派、抽象派等等，这些艺术也不是大众艺术，而且很多大众都认为这些艺术看不懂，因而现代艺术只是一小部分人，一个小艺术圈内人的艺术，而非大众艺术。艺术真正能为大众接受和认可的是从波普艺术开始的，因为波普艺术本身就是以大众文化作为自己描绘的主要内容，它将日常生活作为题材表现在绘画中。波普艺术的代表人物是美国的沃霍尔。他曾为猫王、可口可乐等做过设计，这些设计都是大众一看就懂的作品。波普艺术主要是描绘当时的流行文化，因此可以说其是美国人当时生活的一种真实反应，其主要描绘了美国的生活内容。欧洲在战前曾是经济强体，但经过一战和二战的摧残，经济已大不如从前，战后一直处于恢复中。而此时的美国经济却发展了起来，成为世界上最富有的国家。他们年轻人的生活方式成为其他国家年轻人所向往的，尤其是欧洲的英国。美国的影星、歌星、体育明星、生活日用品、汽车等都成为美国式生活的体现。美国的生活方式开始被欧洲的一些人向往，他们向往的是组成美国式生活的东西，也就是影星、歌星、汽车等等。60年代的欧洲青年人开始把美国的地下杂志、日用品、服装引进国内，并将其放到日常生活中来，因此在英国最早开始了一次波普设计运动。波普运动带有浓厚的美国文化痕迹，另外还有反对传统文化的特点，这种反对也包括对其父母一代所使用的日用品的否定。随着生活水平的提高，他们厌倦了那些枯燥、乏味且功能简单的日用品，他们希望生活不再象父辈一样单调而没有色彩，所以他们开始动手设计一些自己喜欢的日用品，这些作品形式多样、色彩鲜艳，这些设计形成了60年代后期的一次波普浪潮。波普设计在当时并非有意识的反对现代设计，而只是受当时流行文化的影响所产生的，不象后来的后现代设计，它明确反对现代设计，并在对现代设计的反思和反省中产生。而波普设计并不是在明确观念下所产生的设计运动，这些设计主要是青年人希望日用品与父辈不同，通过日用品来反映他们反对传统文化的个性，因此这一时期的设计多种多样，造型独特、色彩艳丽。60年代是波普设计流行的时期，也是由现代设计往后现代设计发展的转折点。波普设计启发了后现代设计思想的产生，也正是波普设计首先产生出与功能型、国际主义风格不一样的设计品出来，因此理解波普设计是理解现代设计往后现代设计发展的关键内容。由于波普设计的造型独特、色彩丰富，至今仍然受到许多人的欢迎，它也为平凡的生活增加了几分色彩。波普设计产生的背景：1. 波普设计处于反文化、反正统的大背景下。2. 年轻人不满足于功能型的设计用品。3. 表现与父辈不一样的观念，表达自己与父辈不同的个性。4. 战后年轻一代的设计师，他们有着与消费者一样的心理，所以才能设计出迎合消费者的作品。该时期设计受到当时整个文化背景的影响，受到重大事件（登上月球）、流行艺术的影响（波普艺术、光效应艺术）。波普艺术是当时整个反传统文化潮流的一个方面，通过不同的造型、色彩反应出对传统、正统文化的反抗情绪。但是在设计上波普文化是现代设计向后现代设计发展的重要转折点，而且波普设计极大的发挥了设计师的想象力和创造才能，强调了设计的趣味性，使设计脱离了早期设计的形式单调，色彩单一的毛病，将设计往丰富多彩的方面发展。波普艺术在设计上的意义是非常的，其对启发后来的设计，启发设计师的灵感与创造力都具有一定的影响与作用，因此波普艺术虽然出现于60年代，但在今天我们依然可以看到波普设计的作品，这些作品仍然丰富着我们的生活。从早期的威廉·莫里斯到波普艺术运动，现代设计的观点已经开始产生变化，在审美趣味上也形成了与过去完全不同的审美趣味。正是由于波普艺术打破了传统的功能型设计，才启发了后来的后现代设计的出现。我们很难把波普运动后期的产品与后现代设计区分开来，因此经常有人问波普设计与后现代设计有什么不一样的地方。之所以出现这样的问题是因为我们很难把波普艺术与后现代艺术在形式上进行区分。我认为波普艺术不是建立在后现代设计的思想观念基础上的，它其实只是形成了当时流行文化的一个内容，一个方面，即成为当时反正统、反传统文化的内容，而后现代设计带有很明显的反现代设计的思想，所以波普设计是后来产生后现代设计的一个重要设计潮流。波普艺术本身虽带有反功能主义的特征，但没有明确提出后现代设计，它只是强调了设计的趣味性、色彩感，希望拥有色彩丰富、趣味性强的生活用品，而且这些用品正好迎合了当时青年人的审美情趣，成为60年代反正统文化的一个内容，一个组成部分。它与当时的波普文化、波普艺术有着极为密切的关系。当然，我们也可以看到60年代的设计是极为丰富多彩的，它既有受波普文化影响的波普设计，又有受光效应文化影响的光效应设计，即在画面上产生平面构成视觉效果的设计。同时设计还会受到重大事件的影响（太空时代的来临），太空时代的图片、观念也影响到了当时的设计风格，出现了包括在服装、产品、广告上用一些跟太空时代人们审美观念基本一致的设计用品，甚至包括口红这种女性味很浓的广告也出现在太空的实验室。因此理解波普设计也可以帮助我们理解后现代思潮的产生，理解其成为现代设计往后现代设计发展的重要转折点。
波普艺术如何影响今天的艺术
波普艺术兴起于20世纪60-70年代，影响了20世纪后半叶的方方面面，而服装设计无疑是它最通俗的注解。在认同短暂性、低成本、易消耗性，追求流行、新奇与刺激的波普风潮以及在战后西方出现的所谓“丰裕社会”带来的强大物质现实的影响下，20世纪的流行服饰呈现出一种新奇的特点。它们便宜、惹眼、大胆、艳俗、放肆、傲慢、消遣、年轻、快乐……眼花缭乱和惊世骇俗是人们对服装的评价，传统的美学规则被打破，一种消解了中心，以标新立异为目标的审美风尚流行起来。受其影响，服装设计无论是在服装面料还是图案、样式的创新方面，都经历了深刻变化，改变了过去服饰装饰的特点，在服装时尚留下了不可磨灭的印记。这种取材于流行文化的艺术形式被称做“波普艺术”。1: “波普艺术”在20世纪50年代中期到60年代末期已开始在美国和英国盛行。波普艺术家们通常选择人人都熟悉的事物作为他们作品的主题。2: 他们的画作或雕塑作品都是取材于当时人们每天都会见到的东西。如汤罐头、爆米花这些家庭中常见的产品或是纸币、加油站、路标、旗帜等等。3: 他们选择经常在报纸、杂志、电视和电影上出现的东西作为自己的题材，比如演员、歌手、歹徒、牛仔、甚至还有卡通人物。波普艺术风格波普艺术的风格不是统一的。1：如里奇特斯坦这样的波普艺术家喜欢用平滑的笔触和很多单色块来模仿那些在广告和漫画中常见的艺术风格。2：而像安迪·沃霍尔则喜欢把电影明星和食品包装上的形象印在画布上。3:还有一些艺术家。如罗伯特·劳森伯格，则喜欢把粗线条拼凑在一起。所有波普艺术家都坚信，他们要呈现的是人们生活着的当今社会，而不是过去的社会．．艺术发展史上的很多时期，都会有一些艺术家以相似的主题、风格或灵感进行创作，被称之为“艺术运动”。波普艺术和印象派就是艺术运动的实例。如果我们回顾历史会发现，把艺术家用这种“运动”来加以区分是很容易的。在那个时期。艺术家们都是独立工作。他们在不同的地方进行艺术创作，不会互相抄袭作品。他们可能并不把自己看做是运动中的一分子。事后我们区分不同的运动是为了了解艺术的发展过程。
波普风格是什么有关波普艺术的一些基础知识
波普艺术试图推翻抽象表现艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。波普艺术这个字目前已知的是由1956年英国艺术评论家罗伦斯·艾伟（Laurence Alloway）所提出。 波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的沿伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。1960年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。 波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得灵感。波普的历史 “波普艺术”这个术语最早在1950年代中期的英国出现。最初在一帮知识分子与艺术家之间的谈话中使用，他们在伦敦当代艺术学院聚会，希望挑战当时流行的现代艺术概念。艺术家爱德华多·鲍里奇在1952年的第一次会议上，展示了一系列主要用美国大众文化现成元素组成的拼贴作品。其中一幅包含了“波普”一词，写在一只左轮手枪喷出的烟雾上，后面画着一个惊叹号。这里的“波普”是模仿子弹发射的象声词。艺术批评家劳伦斯·阿洛维往往被视作“波普艺术”这一术语的发明人，但他其实并没有用这一术语指称某一运动。在其1958年的论著《艺术与大众媒体》中，他没有直接论及艺术（fine arts），而是论证了大众流行艺术的合法性，由此为这一新兴艺术开辟了道路。“波普”一词的由来 波普”（pop）也是“棒棒糖”（lollypop，lolly是舌头，pop是涂抹）的一个简化口语词，可追溯至十八世纪。表示可口可乐之类的“汽水”（soda pop）一词，大致也是那个时期产生的（这里的pop可能是指瓶子开启的声音）。无论如何，我们都可以看到轻松愉快的享乐和渴求欲念的转化（例如棒棒糖的性暗示）。 一般认为，波普艺术是从1950年代中后期开始，首先在英国由一群自称“独立团体”（Independent Group）的艺术家、批评家和建筑师引发，他们对于新兴的都市大众文化十分感兴趣，以各种大众消费品进行创作。 1956年，独立团体举行了画展“此即明日”（This is Tomorrow），其中展出了理查德·汉密尔顿的一副拼贴画《究竟是什么使今日家庭如此不同、如此吸引人呢？》（Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?）。
简述20世纪60年代波普的审美观
内容摘要：文章主要论述波普艺术的产生、发展过程和对当时社会的影响。波普艺术是现代科技革命的产物，与机器文明有不解的缘分，新波普艺术家的艺术行为方式，更多地体现了艺术的综合与复合。 自20世纪初，从后印象主义裂变出立体主义和表现主义以来，20世纪前半个世纪的现代艺术尽管流派甚多，但大都可归之为抽象艺术。然而从50年代开始，作为抽象艺术的一种特异反映，出现了波普艺术（有人译作“流行艺术”，不准确），到60年代终于由新达达主义发展成波普运动，从此风靡世界至今。 波普派的艺术家们认为，抽象主义把艺术带进主观的、以自我为中心的境地，使艺术与生活环境脱离：战后的抽象表现主义逃避城市文明的压力，对机械化的、非人性的消费文明采取否定态度。他们要反其道而行之，要面对“生活”，面对机械文明，面对消费文明，他们主张艺术家把所看、所知的生活环境，以大家熟悉的形象表达出来。 波普艺术是具象的。波普艺术的出现标志着西方现代派走向自我否定的阶段，开始失去早期的锋芒，从抽象转向具象。波普派和机器文明有不解的缘分，从某种意义上说，它是现代科技革命的产物。机器文明为了求得生存与发展，要能制造成本低的产品才能满足大众的需要。由于大量生产，这些产品是划一化、规格化的，它们的推销必须借助于大众传播工具（电视、报纸、印刷品）的力量，才能在社会中产生影响。在西方世界，这种广告的手法必须是新奇的、活泼的，富有性感的，能够刺激观众、读者的注意力，引起他们的消费欲望。在西方，一切事物如打字机、吸尘器、电话、电视等，都成为大众使用的工具。波普艺术从这些现象中得到启发，把大众化、成本低、大量生产、普遍流行的物品，以及新发明的、俊俏的、性感的、大企业化的传播影像作为题目。他们宣称在任何物体中，甚至在街头的废物中，都可以发现艺术的价值。波普派画家罗伯特·劳申格说：“我感到很遗憾，有人认为肥皂盒、镜子、可口可乐瓶是丑的，因为他们整天为这些物体所包围，认为制作这些物体造成了他们的不幸。”波普派认为，从美学观点看世界上没有“贫穷的物体”，一切物体都是美的。 波普艺术同抽象艺术拒绝感知和描绘现象相反，利用大量的现成物（都是世俗生活中的常用物，如破汽车、褪色的照片、海报、破包装箱、破鞋、旧轮胎、旧发动机、澡盆、木桶、罐头盒、破布等），通过拼贴、撒泼颜料、弄成模型、奇怪的组合等手法，努力使其作品鲜艳、醒目，既像广告又像实物陈列。波普艺术的’口号是：“艺术是艺术，生活是生活！”意思是，以往的任何艺术都不能表现真正普通、平凡的日常生活，因为“艺术与生活实在是两回事”。所以，要真正“表现”生活，就必须与过去所有艺术手段（包括20世纪以来新达达主义之前的所有现代派）决裂。这样，波普艺术就从另一个极端（作为抽象的对立面）走向反艺术。它通过组织一定的日常生活环境（如把废品弄进画廊，把包装纸钉在展览馆雪白的墙上，把旧报纸和海报残片拼贴在金属画框里，把日常生活中各种噪音录成磁带，便号称音乐作品），赋予日常物品以艺术品的特征，使现实直接进入艺术。波普艺术的理论家们宣称，每种物品在一定情况下都能变成艺术品。他们认为，物品离开其原先的使用情境进入一种新的组合和相互联系之中就会失去原有的意义而获得艺术特征。他们的理论有一定的合理性。的确，为什么造型优美的日用器具（如瓶）在一定条件下可以被当作艺术品欣赏，而废品仅仅因为其丑陋破旧就不能在一定条件下直接转化为艺术品呢？艺术史并没有告诉我们只有引起美感的东西才能成为审美对象，而是告诉我们只要引起感性的东西就可以成为审美对象。 波普艺术家从艺术的二度空间走入艺术三度“组合”空间，而新艺术家们除了画画、雕塑、拼贴组合、装置外，还从事摄影、影视制作、拍电影、表演、开音乐会、做生意、开画廊，更多体现艺术的综合与复合的景观。新波普艺的大众摄像多取自电视、电影流行杂志等传媒的再制作过的影像，属于第二手资料。朗戈是美国获得国际声誉的后现代主义艺术家，他被批评家称作新波普的领导人，他制作作品的方式，通常是将作品先制作成照片，自己亲手勾勒轮廓以后，再交商业绘图员完成其画，然后自己再和许多助手去润色完成。朗戈说：“我们做的，不是重申波普，而是辩证波普，就像波普辩证达达一样。”后现代主义时期，就连创作作品过程也是复合的过程，甚至别人的劳作也纳入“现成物”概念中，艺术家像导演，指手画脚，现成物和“现成物”们开此运作，做蒙太奇集合。 达达与波普是唇与齿的关系，达达是立论者，波普则广泛推销观念，他们共同的基点都是建立在反艺术基础上。从达达到波普再到新达达、新波普的后现代时期，几十年中，艺术家不断地自由地使用任何媒体素材，打破艺术原先界定的范围，有意扩散艺术风格，容纳每一种艺术形态的存在与发展，甚至模拟、抄袭、引用、重复。后现代主义艺术的许多特征、倾向，都和达达、波普精神有着密切关系。达达是反对理想主义的理想主义，而波普将达达的理想与现实融合在一起。达达艺术家是有史以来善于破坏的，他们以古怪荒谬的方式使艺术生活化，而波普艺术家是有史以来最懂得经营的一群人，他们以通俗简单的方式使艺术生活化，并且还懂得如何使大众去接受它们。达达艺术试图以错乱的行为，从理性中解放出来，回到自由自在任意而为的偶然中，中途又学过波普的策略“辩证”后，到后现代主义艺术竟然将没有逻辑、没有主体的理念，以错置的时间次序接纳为艺术的一部分。这种被称为神经错乱的病态，成为后现代主义文化的本质。在今天的西方学术界，政治化、社会化和生活化是一种时尚，哲学圣殿的大门连接着购物中心，文化已全面走向实际。波普艺术把这种文化趋向视觉化，因此，波普既是纯艺术又是大众艺术和流行艺术。波普的意义在于其对艺术的普及化改变了艺术的品位和标准，改变了生活中一般人对艺术的经验和认识。
